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Des tibias dénudés franchissent des racines de palétuviers, gagnent l’eau et s’arrêtent à hauteur d’une oie gisante parmi les nénuphars. La flèche plantée dans son cœur laisse s’élargir un timide cercle de sang. Une main expérimentée s’en saisit, la retire, empoigne l’oiseau et rejoint la terre, aimantant dans son sillage les regards silencieux de plusieurs fillettes.

Les images de cet incipit sont striées, fragmentées. L’écran d’épingle qui les fait naître, les libère de leur serti noir, les met en mouvement, les rend vivantes. Et les traits des précédentes résistent sur les suivantes. De leur fragilité se dégage alors une atmosphère ouatée enveloppante : nous voilà plongés au cœur d’une mangrove recluse hors la géographie, au centre d’un groupe de femmes livrées à elles-mêmes. Le temps semble s’y être arrêté, mais son aspect cyclique est récupéré et incarné par la triade féminine de trois générations sur laquelle le film se concentre. Elles sont les variations d’un même personnage, chacune endossant le futur de l’autre, ou son passé. Et, parce qu’elles sont soumises aux lois de la nature, elles ne font qu’une avec elle. La chasse devient vite un motif structurant et la symbolique qu’elle charrie se déploie sur le film, le charge. Rite de passage ou transmission, elle relie avec justesse le sang, la violence, la nature et la vie. Doucement, la métaphore se file pour investir la question charnelle de la féminité et des moments clés de la vie d’une femme. Le rapport au corps y est sensible, exploré intimement ou observé collectivement, mis en contact surtout, cru, jamais érotisé. Nous sommes proches et loin d’elles, à une juste distance.

Dans un mouvement ample mais délicat, La saison pourpre capture la fin d’un cycle et l’ostracisme qui s’impose. Sa narration se fait par échos, s’enroule et progresse moins par montage de séquences que par propagation. Ses images, dotées de différentes épaisseurs, parfois entières, parfois trouées, dialoguent en anadiplose poétique et envoûtante. Elles se répondent selon un principe de correspondance et l’organicité qui s’en libère nous saisit. L’univers sonore, texturé, est réfléchi pour approfondir un hors-champ nécessaire.

Ainsi Clémence Bouchereau s’invente-t-elle ici un “faire” sensoriel, délaissant la dramaturgie classique pour inviter à observer et ressentir. Notre regard se fait liant, elle nous confie le soin de reconstruire cette mosaïque en plan d’ensemble, semant volontairement du flou. En 2024 (dans le numéro 129 de Bref), la réalisatrice confiait que ses films lui permettaient de conscientiser, non sans étonnement, les thématiques qui l’habitaient au quotidien : “Il y a des images vécues puis oubliées, mais qui reviennent de façon irréfléchie comme si elles s’étaient déterrées d’elles-mêmes. C’est troublant. La saison pourpre, c’est un peu un songe auquel j’aurais donné forme petit à petit.” Alors, à travers cette période de vie et cette couleur, Clémence Bouchereau conserve la volonté de pallier par l’image ce qui reste encore inaccessible aux mots. C’est la quête, bien chevillée au corps, d’un onirisme porteur de sens. C’est une traversée des âges qui nous rappelle que le temps doit passer.

Lucile Gautier

Réalisation, scénario et animation : Clémence Bouchereau. Image : Nadine Buss. Montage : Catherine Aladenise. Son : Pierre Sauze. Production : Bandini Films.

Des tibias dénudés franchissent des racines de palétuviers, gagnent l’eau et s’arrêtent à hauteur d’une oie gisante parmi les nénuphars. La flèche plantée dans son cœur laisse s’élargir un timide cercle de sang. Une main expérimentée s’en saisit, la retire, empoigne l’oiseau et rejoint la terre, aimantant dans son sillage les regards silencieux de plusieurs fillettes.

Les images de cet incipit sont striées, fragmentées. L’écran d’épingle qui les fait naître, les libère de leur serti noir, les met en mouvement, les rend vivantes. Et les traits des précédentes résistent sur les suivantes. De leur fragilité se dégage alors une atmosphère ouatée enveloppante : nous voilà plongés au cœur d’une mangrove recluse hors la géographie, au centre d’un groupe de femmes livrées à elles-mêmes. Le temps semble s’y être arrêté, mais son aspect cyclique est récupéré et incarné par la triade féminine de trois générations sur laquelle le film se concentre. Elles sont les variations d’un même personnage, chacune endossant le futur de l’autre, ou son passé. Et, parce qu’elles sont soumises aux lois de la nature, elles ne font qu’une avec elle. La chasse devient vite un motif structurant et la symbolique qu’elle charrie se déploie sur le film, le charge. Rite de passage ou transmission, elle relie avec justesse le sang, la violence, la nature et la vie. Doucement, la métaphore se file pour investir la question charnelle de la féminité et des moments clés de la vie d’une femme. Le rapport au corps y est sensible, exploré intimement ou observé collectivement, mis en contact surtout, cru, jamais érotisé. Nous sommes proches et loin d’elles, à une juste distance.

Dans un mouvement ample mais délicat, La saison pourpre capture la fin d’un cycle et l’ostracisme qui s’impose. Sa narration se fait par échos, s’enroule et progresse moins par montage de séquences que par propagation. Ses images, dotées de différentes épaisseurs, parfois entières, parfois trouées, dialoguent en anadiplose poétique et envoûtante. Elles se répondent selon un principe de correspondance et l’organicité qui s’en libère nous saisit. L’univers sonore, texturé, est réfléchi pour approfondir un hors-champ nécessaire.

Ainsi Clémence Bouchereau s’invente-t-elle ici un “faire” sensoriel, délaissant la dramaturgie classique pour inviter à observer et ressentir. Notre regard se fait liant, elle nous confie le soin de reconstruire cette mosaïque en plan d’ensemble, semant volontairement du flou. En 2024 (dans le numéro 129 de Bref), la réalisatrice confiait que ses films lui permettaient de conscientiser, non sans étonnement, les thématiques qui l’habitaient au quotidien : “Il y a des images vécues puis oubliées, mais qui reviennent de façon irréfléchie comme si elles s’étaient déterrées d’elles-mêmes. C’est troublant. La saison pourpre, c’est un peu un songe auquel j’aurais donné forme petit à petit.” Alors, à travers cette période de vie et cette couleur, Clémence Bouchereau conserve la volonté de pallier par l’image ce qui reste encore inaccessible aux mots. C’est la quête, bien chevillée au corps, d’un onirisme porteur de sens. C’est une traversée des âges qui nous rappelle que le temps doit passer.

Lucile Gautier

Réalisation, scénario et animation : Clémence Bouchereau. Image : Nadine Buss. Montage : Catherine Aladenise. Son : Pierre Sauze. Production : Bandini Films.

Des tibias dénudés franchissent des racines de palétuviers, gagnent l’eau et s’arrêtent à hauteur d’une oie gisante parmi les nénuphars. La flèche plantée dans son cœur laisse s’élargir un timide cercle de sang. Une main expérimentée s’en saisit, la retire, empoigne l’oiseau et rejoint la terre, aimantant dans son sillage les regards silencieux de plusieurs fillettes.

Les images de cet incipit sont striées, fragmentées. L’écran d’épingle qui les fait naître, les libère de leur serti noir, les met en mouvement, les rend vivantes. Et les traits des précédentes résistent sur les suivantes. De leur fragilité se dégage alors une atmosphère ouatée enveloppante : nous voilà plongés au cœur d’une mangrove recluse hors la géographie, au centre d’un groupe de femmes livrées à elles-mêmes. Le temps semble s’y être arrêté, mais son aspect cyclique est récupéré et incarné par la triade féminine de trois générations sur laquelle le film se concentre. Elles sont les variations d’un même personnage, chacune endossant le futur de l’autre, ou son passé. Et, parce qu’elles sont soumises aux lois de la nature, elles ne font qu’une avec elle. La chasse devient vite un motif structurant et la symbolique qu’elle charrie se déploie sur le film, le charge. Rite de passage ou transmission, elle relie avec justesse le sang, la violence, la nature et la vie. Doucement, la métaphore se file pour investir la question charnelle de la féminité et des moments clés de la vie d’une femme. Le rapport au corps y est sensible, exploré intimement ou observé collectivement, mis en contact surtout, cru, jamais érotisé. Nous sommes proches et loin d’elles, à une juste distance.

Dans un mouvement ample mais délicat, La saison pourpre capture la fin d’un cycle et l’ostracisme qui s’impose. Sa narration se fait par échos, s’enroule et progresse moins par montage de séquences que par propagation. Ses images, dotées de différentes épaisseurs, parfois entières, parfois trouées, dialoguent en anadiplose poétique et envoûtante. Elles se répondent selon un principe de correspondance et l’organicité qui s’en libère nous saisit. L’univers sonore, texturé, est réfléchi pour approfondir un hors-champ nécessaire.

Ainsi Clémence Bouchereau s’invente-t-elle ici un “faire” sensoriel, délaissant la dramaturgie classique pour inviter à observer et ressentir. Notre regard se fait liant, elle nous confie le soin de reconstruire cette mosaïque en plan d’ensemble, semant volontairement du flou. En 2024 (dans le numéro 129 de Bref), la réalisatrice confiait que ses films lui permettaient de conscientiser, non sans étonnement, les thématiques qui l’habitaient au quotidien : “Il y a des images vécues puis oubliées, mais qui reviennent de façon irréfléchie comme si elles s’étaient déterrées d’elles-mêmes. C’est troublant. La saison pourpre, c’est un peu un songe auquel j’aurais donné forme petit à petit.” Alors, à travers cette période de vie et cette couleur, Clémence Bouchereau conserve la volonté de pallier par l’image ce qui reste encore inaccessible aux mots. C’est la quête, bien chevillée au corps, d’un onirisme porteur de sens. C’est une traversée des âges qui nous rappelle que le temps doit passer.

Lucile Gautier

Réalisation, scénario et animation : Clémence Bouchereau. Image : Nadine Buss. Montage : Catherine Aladenise. Son : Pierre Sauze. Production : Bandini Films.

Des tibias dénudés franchissent des racines de palétuviers, gagnent l’eau et s’arrêtent à hauteur d’une oie gisante parmi les nénuphars. La flèche plantée dans son cœur laisse s’élargir un timide cercle de sang. Une main expérimentée s’en saisit, la retire, empoigne l’oiseau et rejoint la terre, aimantant dans son sillage les regards silencieux de plusieurs fillettes.

Les images de cet incipit sont striées, fragmentées. L’écran d’épingle qui les fait naître, les libère de leur serti noir, les met en mouvement, les rend vivantes. Et les traits des précédentes résistent sur les suivantes. De leur fragilité se dégage alors une atmosphère ouatée enveloppante : nous voilà plongés au cœur d’une mangrove recluse hors la géographie, au centre d’un groupe de femmes livrées à elles-mêmes. Le temps semble s’y être arrêté, mais son aspect cyclique est récupéré et incarné par la triade féminine de trois générations sur laquelle le film se concentre. Elles sont les variations d’un même personnage, chacune endossant le futur de l’autre, ou son passé. Et, parce qu’elles sont soumises aux lois de la nature, elles ne font qu’une avec elle. La chasse devient vite un motif structurant et la symbolique qu’elle charrie se déploie sur le film, le charge. Rite de passage ou transmission, elle relie avec justesse le sang, la violence, la nature et la vie. Doucement, la métaphore se file pour investir la question charnelle de la féminité et des moments clés de la vie d’une femme. Le rapport au corps y est sensible, exploré intimement ou observé collectivement, mis en contact surtout, cru, jamais érotisé. Nous sommes proches et loin d’elles, à une juste distance.

Dans un mouvement ample mais délicat, La saison pourpre capture la fin d’un cycle et l’ostracisme qui s’impose. Sa narration se fait par échos, s’enroule et progresse moins par montage de séquences que par propagation. Ses images, dotées de différentes épaisseurs, parfois entières, parfois trouées, dialoguent en anadiplose poétique et envoûtante. Elles se répondent selon un principe de correspondance et l’organicité qui s’en libère nous saisit. L’univers sonore, texturé, est réfléchi pour approfondir un hors-champ nécessaire.

Ainsi Clémence Bouchereau s’invente-t-elle ici un “faire” sensoriel, délaissant la dramaturgie classique pour inviter à observer et ressentir. Notre regard se fait liant, elle nous confie le soin de reconstruire cette mosaïque en plan d’ensemble, semant volontairement du flou. En 2024 (dans le numéro 129 de Bref), la réalisatrice confiait que ses films lui permettaient de conscientiser, non sans étonnement, les thématiques qui l’habitaient au quotidien : “Il y a des images vécues puis oubliées, mais qui reviennent de façon irréfléchie comme si elles s’étaient déterrées d’elles-mêmes. C’est troublant. La saison pourpre, c’est un peu un songe auquel j’aurais donné forme petit à petit.” Alors, à travers cette période de vie et cette couleur, Clémence Bouchereau conserve la volonté de pallier par l’image ce qui reste encore inaccessible aux mots. C’est la quête, bien chevillée au corps, d’un onirisme porteur de sens. C’est une traversée des âges qui nous rappelle que le temps doit passer.

Lucile Gautier

Réalisation, scénario et animation : Clémence Bouchereau. Image : Nadine Buss. Montage : Catherine Aladenise. Son : Pierre Sauze. Production : Bandini Films.

Des tibias dénudés franchissent des racines de palétuviers, gagnent l’eau et s’arrêtent à hauteur d’une oie gisante parmi les nénuphars. La flèche plantée dans son cœur laisse s’élargir un timide cercle de sang. Une main expérimentée s’en saisit, la retire, empoigne l’oiseau et rejoint la terre, aimantant dans son sillage les regards silencieux de plusieurs fillettes.

Les images de cet incipit sont striées, fragmentées. L’écran d’épingle qui les fait naître, les libère de leur serti noir, les met en mouvement, les rend vivantes. Et les traits des précédentes résistent sur les suivantes. De leur fragilité se dégage alors une atmosphère ouatée enveloppante : nous voilà plongés au cœur d’une mangrove recluse hors la géographie, au centre d’un groupe de femmes livrées à elles-mêmes. Le temps semble s’y être arrêté, mais son aspect cyclique est récupéré et incarné par la triade féminine de trois générations sur laquelle le film se concentre. Elles sont les variations d’un même personnage, chacune endossant le futur de l’autre, ou son passé. Et, parce qu’elles sont soumises aux lois de la nature, elles ne font qu’une avec elle. La chasse devient vite un motif structurant et la symbolique qu’elle charrie se déploie sur le film, le charge. Rite de passage ou transmission, elle relie avec justesse le sang, la violence, la nature et la vie. Doucement, la métaphore se file pour investir la question charnelle de la féminité et des moments clés de la vie d’une femme. Le rapport au corps y est sensible, exploré intimement ou observé collectivement, mis en contact surtout, cru, jamais érotisé. Nous sommes proches et loin d’elles, à une juste distance.

Dans un mouvement ample mais délicat, La saison pourpre capture la fin d’un cycle et l’ostracisme qui s’impose. Sa narration se fait par échos, s’enroule et progresse moins par montage de séquences que par propagation. Ses images, dotées de différentes épaisseurs, parfois entières, parfois trouées, dialoguent en anadiplose poétique et envoûtante. Elles se répondent selon un principe de correspondance et l’organicité qui s’en libère nous saisit. L’univers sonore, texturé, est réfléchi pour approfondir un hors-champ nécessaire.

Ainsi Clémence Bouchereau s’invente-t-elle ici un “faire” sensoriel, délaissant la dramaturgie classique pour inviter à observer et ressentir. Notre regard se fait liant, elle nous confie le soin de reconstruire cette mosaïque en plan d’ensemble, semant volontairement du flou. En 2024 (dans le numéro 129 de Bref), la réalisatrice confiait que ses films lui permettaient de conscientiser, non sans étonnement, les thématiques qui l’habitaient au quotidien : “Il y a des images vécues puis oubliées, mais qui reviennent de façon irréfléchie comme si elles s’étaient déterrées d’elles-mêmes. C’est troublant. La saison pourpre, c’est un peu un songe auquel j’aurais donné forme petit à petit.” Alors, à travers cette période de vie et cette couleur, Clémence Bouchereau conserve la volonté de pallier par l’image ce qui reste encore inaccessible aux mots. C’est la quête, bien chevillée au corps, d’un onirisme porteur de sens. C’est une traversée des âges qui nous rappelle que le temps doit passer.

Lucile Gautier

Réalisation, scénario et animation : Clémence Bouchereau. Image : Nadine Buss. Montage : Catherine Aladenise. Son : Pierre Sauze. Production : Bandini Films.

Des tibias dénudés franchissent des racines de palétuviers, gagnent l’eau et s’arrêtent à hauteur d’une oie gisante parmi les nénuphars. La flèche plantée dans son cœur laisse s’élargir un timide cercle de sang. Une main expérimentée s’en saisit, la retire, empoigne l’oiseau et rejoint la terre, aimantant dans son sillage les regards silencieux de plusieurs fillettes.

Les images de cet incipit sont striées, fragmentées. L’écran d’épingle qui les fait naître, les libère de leur serti noir, les met en mouvement, les rend vivantes. Et les traits des précédentes résistent sur les suivantes. De leur fragilité se dégage alors une atmosphère ouatée enveloppante : nous voilà plongés au cœur d’une mangrove recluse hors la géographie, au centre d’un groupe de femmes livrées à elles-mêmes. Le temps semble s’y être arrêté, mais son aspect cyclique est récupéré et incarné par la triade féminine de trois générations sur laquelle le film se concentre. Elles sont les variations d’un même personnage, chacune endossant le futur de l’autre, ou son passé. Et, parce qu’elles sont soumises aux lois de la nature, elles ne font qu’une avec elle. La chasse devient vite un motif structurant et la symbolique qu’elle charrie se déploie sur le film, le charge. Rite de passage ou transmission, elle relie avec justesse le sang, la violence, la nature et la vie. Doucement, la métaphore se file pour investir la question charnelle de la féminité et des moments clés de la vie d’une femme. Le rapport au corps y est sensible, exploré intimement ou observé collectivement, mis en contact surtout, cru, jamais érotisé. Nous sommes proches et loin d’elles, à une juste distance.

Dans un mouvement ample mais délicat, La saison pourpre capture la fin d’un cycle et l’ostracisme qui s’impose. Sa narration se fait par échos, s’enroule et progresse moins par montage de séquences que par propagation. Ses images, dotées de différentes épaisseurs, parfois entières, parfois trouées, dialoguent en anadiplose poétique et envoûtante. Elles se répondent selon un principe de correspondance et l’organicité qui s’en libère nous saisit. L’univers sonore, texturé, est réfléchi pour approfondir un hors-champ nécessaire.

Ainsi Clémence Bouchereau s’invente-t-elle ici un “faire” sensoriel, délaissant la dramaturgie classique pour inviter à observer et ressentir. Notre regard se fait liant, elle nous confie le soin de reconstruire cette mosaïque en plan d’ensemble, semant volontairement du flou. En 2024 (dans le numéro 129 de Bref), la réalisatrice confiait que ses films lui permettaient de conscientiser, non sans étonnement, les thématiques qui l’habitaient au quotidien : “Il y a des images vécues puis oubliées, mais qui reviennent de façon irréfléchie comme si elles s’étaient déterrées d’elles-mêmes. C’est troublant. La saison pourpre, c’est un peu un songe auquel j’aurais donné forme petit à petit.” Alors, à travers cette période de vie et cette couleur, Clémence Bouchereau conserve la volonté de pallier par l’image ce qui reste encore inaccessible aux mots. C’est la quête, bien chevillée au corps, d’un onirisme porteur de sens. C’est une traversée des âges qui nous rappelle que le temps doit passer.

Lucile Gautier

Réalisation, scénario et animation : Clémence Bouchereau. Image : Nadine Buss. Montage : Catherine Aladenise. Son : Pierre Sauze. Production : Bandini Films.

Des tibias dénudés franchissent des racines de palétuviers, gagnent l’eau et s’arrêtent à hauteur d’une oie gisante parmi les nénuphars. La flèche plantée dans son cœur laisse s’élargir un timide cercle de sang. Une main expérimentée s’en saisit, la retire, empoigne l’oiseau et rejoint la terre, aimantant dans son sillage les regards silencieux de plusieurs fillettes.

Les images de cet incipit sont striées, fragmentées. L’écran d’épingle qui les fait naître, les libère de leur serti noir, les met en mouvement, les rend vivantes. Et les traits des précédentes résistent sur les suivantes. De leur fragilité se dégage alors une atmosphère ouatée enveloppante : nous voilà plongés au cœur d’une mangrove recluse hors la géographie, au centre d’un groupe de femmes livrées à elles-mêmes. Le temps semble s’y être arrêté, mais son aspect cyclique est récupéré et incarné par la triade féminine de trois générations sur laquelle le film se concentre. Elles sont les variations d’un même personnage, chacune endossant le futur de l’autre, ou son passé. Et, parce qu’elles sont soumises aux lois de la nature, elles ne font qu’une avec elle. La chasse devient vite un motif structurant et la symbolique qu’elle charrie se déploie sur le film, le charge. Rite de passage ou transmission, elle relie avec justesse le sang, la violence, la nature et la vie. Doucement, la métaphore se file pour investir la question charnelle de la féminité et des moments clés de la vie d’une femme. Le rapport au corps y est sensible, exploré intimement ou observé collectivement, mis en contact surtout, cru, jamais érotisé. Nous sommes proches et loin d’elles, à une juste distance.

Dans un mouvement ample mais délicat, La saison pourpre capture la fin d’un cycle et l’ostracisme qui s’impose. Sa narration se fait par échos, s’enroule et progresse moins par montage de séquences que par propagation. Ses images, dotées de différentes épaisseurs, parfois entières, parfois trouées, dialoguent en anadiplose poétique et envoûtante. Elles se répondent selon un principe de correspondance et l’organicité qui s’en libère nous saisit. L’univers sonore, texturé, est réfléchi pour approfondir un hors-champ nécessaire.

Ainsi Clémence Bouchereau s’invente-t-elle ici un “faire” sensoriel, délaissant la dramaturgie classique pour inviter à observer et ressentir. Notre regard se fait liant, elle nous confie le soin de reconstruire cette mosaïque en plan d’ensemble, semant volontairement du flou. En 2024 (dans le numéro 129 de Bref), la réalisatrice confiait que ses films lui permettaient de conscientiser, non sans étonnement, les thématiques qui l’habitaient au quotidien : “Il y a des images vécues puis oubliées, mais qui reviennent de façon irréfléchie comme si elles s’étaient déterrées d’elles-mêmes. C’est troublant. La saison pourpre, c’est un peu un songe auquel j’aurais donné forme petit à petit.” Alors, à travers cette période de vie et cette couleur, Clémence Bouchereau conserve la volonté de pallier par l’image ce qui reste encore inaccessible aux mots. C’est la quête, bien chevillée au corps, d’un onirisme porteur de sens. C’est une traversée des âges qui nous rappelle que le temps doit passer.

Lucile Gautier

Réalisation, scénario et animation : Clémence Bouchereau. Image : Nadine Buss. Montage : Catherine Aladenise. Son : Pierre Sauze. Production : Bandini Films.

Des tibias dénudés franchissent des racines de palétuviers, gagnent l’eau et s’arrêtent à hauteur d’une oie gisante parmi les nénuphars. La flèche plantée dans son cœur laisse s’élargir un timide cercle de sang. Une main expérimentée s’en saisit, la retire, empoigne l’oiseau et rejoint la terre, aimantant dans son sillage les regards silencieux de plusieurs fillettes.

Les images de cet incipit sont striées, fragmentées. L’écran d’épingle qui les fait naître, les libère de leur serti noir, les met en mouvement, les rend vivantes. Et les traits des précédentes résistent sur les suivantes. De leur fragilité se dégage alors une atmosphère ouatée enveloppante : nous voilà plongés au cœur d’une mangrove recluse hors la géographie, au centre d’un groupe de femmes livrées à elles-mêmes. Le temps semble s’y être arrêté, mais son aspect cyclique est récupéré et incarné par la triade féminine de trois générations sur laquelle le film se concentre. Elles sont les variations d’un même personnage, chacune endossant le futur de l’autre, ou son passé. Et, parce qu’elles sont soumises aux lois de la nature, elles ne font qu’une avec elle. La chasse devient vite un motif structurant et la symbolique qu’elle charrie se déploie sur le film, le charge. Rite de passage ou transmission, elle relie avec justesse le sang, la violence, la nature et la vie. Doucement, la métaphore se file pour investir la question charnelle de la féminité et des moments clés de la vie d’une femme. Le rapport au corps y est sensible, exploré intimement ou observé collectivement, mis en contact surtout, cru, jamais érotisé. Nous sommes proches et loin d’elles, à une juste distance.

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Ainsi Clémence Bouchereau s’invente-t-elle ici un “faire” sensoriel, délaissant la dramaturgie classique pour inviter à observer et ressentir. Notre regard se fait liant, elle nous confie le soin de reconstruire cette mosaïque en plan d’ensemble, semant volontairement du flou. En 2024 (dans le numéro 129 de Bref), la réalisatrice confiait que ses films lui permettaient de conscientiser, non sans étonnement, les thématiques qui l’habitaient au quotidien : “Il y a des images vécues puis oubliées, mais qui reviennent de façon irréfléchie comme si elles s’étaient déterrées d’elles-mêmes. C’est troublant. La saison pourpre, c’est un peu un songe auquel j’aurais donné forme petit à petit.” Alors, à travers cette période de vie et cette couleur, Clémence Bouchereau conserve la volonté de pallier par l’image ce qui reste encore inaccessible aux mots. C’est la quête, bien chevillée au corps, d’un onirisme porteur de sens. C’est une traversée des âges qui nous rappelle que le temps doit passer.

Lucile Gautier

Réalisation, scénario et animation : Clémence Bouchereau. Image : Nadine Buss. Montage : Catherine Aladenise. Son : Pierre Sauze. Production : Bandini Films.

Des tibias dénudés franchissent des racines de palétuviers, gagnent l’eau et s’arrêtent à hauteur d’une oie gisante parmi les nénuphars. La flèche plantée dans son cœur laisse s’élargir un timide cercle de sang. Une main expérimentée s’en saisit, la retire, empoigne l’oiseau et rejoint la terre, aimantant dans son sillage les regards silencieux de plusieurs fillettes.

Les images de cet incipit sont striées, fragmentées. L’écran d’épingle qui les fait naître, les libère de leur serti noir, les met en mouvement, les rend vivantes. Et les traits des précédentes résistent sur les suivantes. De leur fragilité se dégage alors une atmosphère ouatée enveloppante : nous voilà plongés au cœur d’une mangrove recluse hors la géographie, au centre d’un groupe de femmes livrées à elles-mêmes. Le temps semble s’y être arrêté, mais son aspect cyclique est récupéré et incarné par la triade féminine de trois générations sur laquelle le film se concentre. Elles sont les variations d’un même personnage, chacune endossant le futur de l’autre, ou son passé. Et, parce qu’elles sont soumises aux lois de la nature, elles ne font qu’une avec elle. La chasse devient vite un motif structurant et la symbolique qu’elle charrie se déploie sur le film, le charge. Rite de passage ou transmission, elle relie avec justesse le sang, la violence, la nature et la vie. Doucement, la métaphore se file pour investir la question charnelle de la féminité et des moments clés de la vie d’une femme. Le rapport au corps y est sensible, exploré intimement ou observé collectivement, mis en contact surtout, cru, jamais érotisé. Nous sommes proches et loin d’elles, à une juste distance.

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Lucile Gautier

Réalisation, scénario et animation : Clémence Bouchereau. Image : Nadine Buss. Montage : Catherine Aladenise. Son : Pierre Sauze. Production : Bandini Films.

Des tibias dénudés franchissent des racines de palétuviers, gagnent l’eau et s’arrêtent à hauteur d’une oie gisante parmi les nénuphars. La flèche plantée dans son cœur laisse s’élargir un timide cercle de sang. Une main expérimentée s’en saisit, la retire, empoigne l’oiseau et rejoint la terre, aimantant dans son sillage les regards silencieux de plusieurs fillettes.

Les images de cet incipit sont striées, fragmentées. L’écran d’épingle qui les fait naître, les libère de leur serti noir, les met en mouvement, les rend vivantes. Et les traits des précédentes résistent sur les suivantes. De leur fragilité se dégage alors une atmosphère ouatée enveloppante : nous voilà plongés au cœur d’une mangrove recluse hors la géographie, au centre d’un groupe de femmes livrées à elles-mêmes. Le temps semble s’y être arrêté, mais son aspect cyclique est récupéré et incarné par la triade féminine de trois générations sur laquelle le film se concentre. Elles sont les variations d’un même personnage, chacune endossant le futur de l’autre, ou son passé. Et, parce qu’elles sont soumises aux lois de la nature, elles ne font qu’une avec elle. La chasse devient vite un motif structurant et la symbolique qu’elle charrie se déploie sur le film, le charge. Rite de passage ou transmission, elle relie avec justesse le sang, la violence, la nature et la vie. Doucement, la métaphore se file pour investir la question charnelle de la féminité et des moments clés de la vie d’une femme. Le rapport au corps y est sensible, exploré intimement ou observé collectivement, mis en contact surtout, cru, jamais érotisé. Nous sommes proches et loin d’elles, à une juste distance.

Dans un mouvement ample mais délicat, La saison pourpre capture la fin d’un cycle et l’ostracisme qui s’impose. Sa narration se fait par échos, s’enroule et progresse moins par montage de séquences que par propagation. Ses images, dotées de différentes épaisseurs, parfois entières, parfois trouées, dialoguent en anadiplose poétique et envoûtante. Elles se répondent selon un principe de correspondance et l’organicité qui s’en libère nous saisit. L’univers sonore, texturé, est réfléchi pour approfondir un hors-champ nécessaire.

Ainsi Clémence Bouchereau s’invente-t-elle ici un “faire” sensoriel, délaissant la dramaturgie classique pour inviter à observer et ressentir. Notre regard se fait liant, elle nous confie le soin de reconstruire cette mosaïque en plan d’ensemble, semant volontairement du flou. En 2024 (dans le numéro 129 de Bref), la réalisatrice confiait que ses films lui permettaient de conscientiser, non sans étonnement, les thématiques qui l’habitaient au quotidien : “Il y a des images vécues puis oubliées, mais qui reviennent de façon irréfléchie comme si elles s’étaient déterrées d’elles-mêmes. C’est troublant. La saison pourpre, c’est un peu un songe auquel j’aurais donné forme petit à petit.” Alors, à travers cette période de vie et cette couleur, Clémence Bouchereau conserve la volonté de pallier par l’image ce qui reste encore inaccessible aux mots. C’est la quête, bien chevillée au corps, d’un onirisme porteur de sens. C’est une traversée des âges qui nous rappelle que le temps doit passer.

Lucile Gautier

Réalisation, scénario et animation : Clémence Bouchereau. Image : Nadine Buss. Montage : Catherine Aladenise. Son : Pierre Sauze. Production : Bandini Films.